Grâce à une approche transversale privilégiant un thème central, celui de la "seconde naissance" selon les propres dires d'Otto Preminger, cet essai critique fait apparaître la cohérence de son oeuvre, des premiers films noirs (Laura, Crime passionnel...) jusqu'aux fresques historiques ou politiques des années soixante (Exodus, Tempête à Washington...). L'inspiration de ce livre est à la fois philosophique, psychanalytique et littéraire, mais ne néglige jamais l'analyse détaillée des films, leur structure narrative comme leur style visuel.

Un détour par la biographie du cinéaste, qui jette un éclairage inédit sur sa filmographie et laisse deviner ce que même ses oeuvres les plus spectaculaires et "objectives" contiennent d'intime, le montre comme un briseur de tabous dont les films se heurtèrent parfois à la censure.

En quelque trente-cinq ans et vingt-six films, de L'Horloger de Saint-Paul (1974) à Dans la brume électrique (2009), Bertrand Tavernier a construit une oeuvre qui, pour être étonnamment diverse, n'en est pas moins profondément cohérente, en prise sur la vie, ouverte sur le monde, enracinée dans des espaces et des paysages qu'il filme comme personne.

S'il aime s'immerger dans le passé, ancien (Que la fête commence) ou plus récent (Le Juge et l'assassin, La Vie et rien d'autre, Laissez-passer), c'est pour rechercher comment l'Histoire a forgé les hommes d'aujourd'hui. Si son regard sur la société contemporaine est parfois rempli de colère (L.627, L'Appât, Ça commence aujourd'hui), c'est parce qu'il fuit plus que tout la dérision et le cynisme, croyant profondément que le cinéma peut changer le monde. Si tous ses films, par-delà la variété de leurs sujets, parlent des rapports entre les générations et si certains sont entièrement consacrés à la famille (Un dimanche à la campagne, Daddy Nostalgie), c'est parce qu'il est hanté par la question de la transmission, transmission d'un savoir, de valeurs, d'un amour, qui donne un sens à la vie humaine.

Ce volume présente et analyse l'oeuvre vibrante et mélancolique d'un metteur en scène jamais résigné, qui déclare simplement : "Je filme ce qui me fait mal, me choque, me bouleverse."

Avec seulement huit films à son actif, Kusturica a réussi à se faire aimer, autant pour ses images que pour sa musique, même s'il a la réputation d'être un géant barbu pas si tendre que ça. Un géant créateur d'images, inventeur d'un monde magique où résonnent les voix des femmes, et les orchestres des mariages et des enterrements. Un univers où Chagall et Fellini auraient rencontré les Gitans. Kusturica est devenu l'un des cinéastes les plus à ses idées et à ses engagement, à Cannes en mai 2005 et, plus récemment, en novembre 2005 en Argentine pour critiquer la politique américaine. Délibérément provocateur, poète, humaniste, inventeur d'un monde magique et décalé, il n'hésite pas à jouer avec la vie et les sentiments dans des films devenus depuis longtemps cultes : Papa est en voyage d'affaires (Palme d'Or à Cannes en 1985), Le Temps des Gitans (Prix de la mise en scène à Cannes en 1989), Arizona Dream, Underground (Palme d'Or à Cannes en 1995), La Vie est un miracle. Jean-Max Méjean a tenté de mieux cerner son oeuvre, film par film - y compris ceux en voie de réalisation, comme Promets-le moi et Maradona -, dans une perspective à la fois poétique, politique et sincère.

Le magnifique mais très discuté, A.I. - Artificial Intelligence, Minority Report et Arrête-moi si tu peux, ont confirmé l'inépuisable capacité créatrice de ce réalisateur, consacré par le public du monde entier, avec des recettes encore aujourd'hui inégalées. Ce livre, destiné au grand public et illustré de nombreuses photographies, propose une passionnante reconstitution de la vie et des oeuvres d'un artiste complet, véritable Midas hollywoodien. Célèbre metteur en scène, il est également producteur (DreamWork), et parfois même acteur. Une filmographie très détaillée rend précisément compte de ses films et de la cohésion d'un parcours spectaculaire, qui se déroule à l'enseigne de qualités hors du commun : Spielberg réalise Duel à vingt-quatre ans, puis Jurassic Park, suivi de près par Rencontres du troisième type, sans oublier les films culte, bornes milliaires de générations entières, comme Les Dents de la mer, E.T, l'extra-terrestre, la fantastique saga des Indiana Jones et, dans un registre plus grave, La Liste de Schindler. Tout au long de ses oeuvres, il s'adresse au spectateur moyen en un langage dépourvu de prétention intellectuelle, essentiellement constitué d'images, qui impriment sur la pellicule sensible d'authentiques émotions cinématographiques.

Dès ses premiers courts métrages, une continuité thématique sensible caractérise les débuts de Martin Scorsese : on voit se profiler très vite le personnage de l'individu solitaire dans la ville et l'ombre du cow-boy désarmé face au malaise contemporain. Puis il rencontre Roger Corman et fait son entrée dans le monde de l'industrie cinématographique grâce à des films comme Mean Streets, Alice n'est plus ici et Taxi Driver.

L'oeuvre de Scorsese est destinée à marquer le cinéma de l'avenir, de sa fureur libertaire et de son style avant-gardiste. Les années soixante-dix se déroulent à l'enseigne du rescapé de la guerre du Viêt-Nam de Taxi Driver, mais les anti-héros de Scorsese envahissent aussi les années quatre-vingt et quatre-vingt-dix et réactualisent la parabole d'un personnage solitaire et aliéné qui a besoin de se sentir un dieu sur terre, puisque "son royaume n'est pas de ce monde".

Grâce à l'analyse de tous les films du réalisateur de Long Island, et à des révélations exclusives sur le tournage en cours de Gangs of New York, ce livre constitue le parcours le plus complet de l'oeuvre d'un cinéaste qui, depuis presque trente ans, imprime sa modernité dans les méandres du doute et du conflit existentiel.

Ce livre tente d'approcher l'oeuvre de Pedro Almodóvar, ce cinéma flamboyant et baroque, sous l'angle de la psychanalyse et de la poésie, pour dégager des thèmes qui cernent les différentes facettes d'une imagination déjà très prolifique. On y découvre l'influence incontestable de l'Espagne et de la movida madrilène. L'étude s'emploie également à faire le point sur la passion de la musique et de la chanson qui habite tous les films du metteur en scène espagnol à la réputation internationale. Mais Jean-Max Méjean s'intéresse aussi tout particulièrement aux relations que Pedro Almodôvar entretient avec son propre imaginaire, marqué par l'amour pour sa mère, pour les femmes en général et pour la sexualité aussi, souvent envisagée sous l'angle le plus cru. L'amour et la mort, tout comme les masques et les transmutations des âmes et des corps, habitent toute l'oeuvre, débouchant sur la naissance d'un style incontestable qui ne renie ni ses influences ni son histoire, mais aborde une autre manière de percevoir les réalités et les mythes de ce monde étrange qui nous entoure. Ses films, très populaires, dont Attache-moi, Talons aiguilles, ou encore Tout sur ma mère, sont analysés minutieusement un à un, sans oublier le dernier en date, La Mauvaise Éducation, qui a fait l'ouverture du Festival de Cannes 2004

Ce volume retrace, film après film, les cinquante années de cinéma du grand metteur en scène lombard et propose au lecteur une reconstitution de sa carrière qui est aussi le portrait d'un certain cinéma italien classique. Tout au long de ce livre, se dessine un parcours éclectique qui voit Comencini abandonner très vite le néoréalisme de ses débuts (De nouveaux hommes sont nés) pour se consacrer d'abord à la comédie (Pain, amour et fantaisie, Pain, amour et jalousie et La Belle de Rome) et expérimenter ensuite des manières et des thèmes plus proches de la création dramatique : la Résistance et le douloureux héritage de la guerre (La Grande Pagaille, La Ragazza), l'hypocrisie bien-pensante de la société provinciale (Sans rien savoir d'elle, La Femme du dimanche), la folie de l'époque contemporaine (L'Argent de la vieille, Un vrai crime d'amour, Le Grand Embouteillage) et enfin le monde de l'enfance, qui constitue sans doute le fil rouge du parcours artistique de Comencini (Tu es mon fils, L'Incompris, Casanova, Les Aventures de Pinocchio, Eugenio, Cuore, La Storia, Un enfant de Calabre et Marcellino).

Selon Thierry Jousse, Besson a quelque chose d'unique dans le cinéma mondial, au sens où il a su créer un monde nouveau, singulier et original, ni tout à fait français ni tout à fait américain. Ce critique des Cahiers du cinéma, définit ainsi le rôle de premier plan que le metteur en scène s'est construit en vingt ans de carrière au sein du panorama cinématographique international. Après ses débuts, très jeune, avec Le Dernier Combat en 1983, Luc Besson a suivi un itinéraire artistique qui l'a conduit à réinterpréter la "fable" en tant que lieu dans lequel la pureté des sentiments aboutit au règlement de comptes avec le Mal, à travers la mise en scène d'histoires qui évoquent une vision de la réalité à la fois incandescente, douloureuse et acérée.

Cet ouvrage analyse tous les films dirigés par le cinéaste et brosse un portrait de lui très intéressant, de ses débuts difficiles à sa consécration internationale, grâce aux désormais "classiques" Nikita, Léon, Le Cinquième Élément et Jeanne d'Arc, sans oublier ses projets en préparation. Chaque film est présenté chronologiquement, selon sa date de sortie dans les salles françaises, et est accompagné des critiques parues dans les principales revues spécialisées, en France et à l'étranger, pour illustrer le cinéma novateur de ce réalisateur. Enrichi de superbes photographies, ce livre esquisse le profil d'un metteur en scène "absolu", capable entre tous de mêler spectacle populaire, professionnalisme et innovations stylistiques.

Tout en décryptant l'oeuvre intransigeante et provocatrice de Jean-Luc Godard, cette monographie très documentée et abondamment illustrée suit un itinéraire chronologique qui débute avec ses premiers courts métrages et s'arrête sur ses projets en cours. Elle montre comment son nom et son personnage restent liés à l'explosion de la Nouvelle Vague, avec des films-culte tels qu'A bout de souffle, Pierrot le fou, La Chinoise et Week-end, mais aussi la façon dont ses films se sont distingués, durant ces vingt dernières années, par leur originalité complexe et leur inventivité. A travers ses 90 réalisations, parsemées de rébus et de clin d'oeil littéraires, le lecteur, qui est aussi un spectateur en devenir, assiste à la visualisation d'une pensée toujours en mouvement, faite de surimpressions elliptiques à déchiffrer sous le réseau subtil des images et des sons.

Brian De Palma a commencé sa carrière de réalisateur à la fin des années soixante, à un moment où le système hollywoodien tout entier traversait une période de changements radicaux. Avec le temps et l'aide d'autres cinéastes de sa génération tels que Spielberg, Martin Scorsese ou George Lucas, il a contribué à une transformation profonde du cinéma américain. Ses films ont rénové le langage neutre et presque aseptisé du cinéma classique, qu'il a délaissé pour un style plus intense et plus personnel, un style baroque et nourri de citations qui oblige souvent le spectateur à s'interroger sur la façon même de regarder un film.

Tout en suivant l'itinéraire biographique du grand réalisateur, agrémenté et documenté de nombreuses illustrations, ce livre fait revivre toute sa carrière depuis le début jusqu'à ses dernières productions, parmi lesquelles le film très discuté Mission to Mars et sa toute dernière oeuvre Femme fatale, interprétée par Antonio Banderas et Rebecca Romijn-Stamos. Il évoque non seulement les éléments thématiques et formels qui caractérisent ses réalisations, mais aussi les fluctuants aléas des recettes qui ont accueilli ses différents films et ont été déterminants pour établir son autonomie plus ou moins grande par rapport aux grandes firmes cinématographiques.

En cinquante ans d'activité, Kubrick n'a réalisé que treize longs métrages, mais le degré de perfection technique, et l'intensité avec laquelle il a traité certains sujets lui ont valu une réputation d'intellectuel provocateur, et de véritable génie du cinéma (sans jamais pourtant obtenir d'Oscar, à l'image de Welles ou d'Hitchcock). Des titres comme Lolita, Le Docteur Folamour, 2001 : L'Odyssée de l'espace et Orange mécanique font à jamais partie du langage courant. Les personnages et les images de Spartacus, Shining et Full Metal Jacket ont marqué l'imaginaire des cinéphiles et sont devenus des références incontournables (y compris dans la publicité, dans les clips vidéo et dans les dessins animés comme "Les Simpson").

Cette monographie n'est pas consacrée au Kubrick mythique - qui a étrangement alimenté la fantaisie journalistique ; mais exclusivement à l'analyse de ses oeuvres. On y découvrira nombre d'anecdotes, de notations techniques et de faits méconnus, auxquels viennent s'ajouter des photos souvent inédites. Tous ses films - de L'Ultime razzia à Eyes Wide Shut son dernier film et le plus controversé, en passant par Barry Lindon et Les sentiers de la gloire -, sont replacés dans le parcours artistique du réalisateur, mais également dans le contexte culturel plus large de l'histoire du cinéma et de la société américaine, et analysés avec compétence par l'auteur, dans cet ouvrage que l'on peut considérer comme "définitif" sur le grand cinéma de Stanley Kubrick.

Lars von Trier, le plus célèbre réalisateur danois contemporain, auteur de films audacieux comme Breaking the Waves ou le récent Dogville (avec Nicole Kidman), a, dès ses débuts, été considéré comme un des cinéastes les plus controversés de la scène internationale. Son nom est associé au mouvement culturel et esthétique appelé Dogma 95. Ce manifeste lui a permis, avec une poignée d'autres réalisateurs rebelles, de bousculer les formes cinématographiques traditionnelles, en les libérant des règles académiques et des lois du marché. Son style, toujours très personnel, est passé des emportements baroques d'Europa à la frénésie zigzagante des Idiots et de Dancer in the Dark. Personnage mystérieux, fuyant, différent de tous ses confrères, ce metteur en scène unique à la réputation d'être un provocateur, mais un provocateur capable de donner à ses plus belles réussites la saveur du désenchantement et la poésie de l'intransigeance.

Ce livre analyse l'ensemble de la carrière de Lars von Trier, de ses débuts à son dernier film, et met en évidence l'influence que son art a exercé, et ne manquera pas d'exercer encore, sur le travail d'autres réalisateurs.

Auteur de treize films de 1959 à 1999 (Classe tous risques, L'Arme à gauche, Les Choses de la vie, Max et les ferrailleurs, César et Rosalie, Vincent, François Paul et les autres, Mado, Une histoire simple, Un mauvais fils, Garçon !, Quelques jours avec moi, Un coeur en hiver, Nelly et M. Arnaud), Claude Sautet a marqué de sa forte personnalité le cinéma français de ces quarante dernières années. Sous une apparente étude de société, ce directeur d'acteurs hors pair décrit sans concessions et avec beaucoup d'amour des personnages en proie à leurs problèmes quotidiens et existentiels. Perfectionniste, passionné, Sautet n'a jamais eu de cesse de traquer les sentiments humains tout au long d'une carrière où il exerça aussi avec bonheur le métier de scénariste.

Ce volume retrace, film après film, les années de cinéma du metteur en scène et propose une lecture tantôt thématique, tantôt sémantique de sa production. Tout au long de ce livre, se dessine un parcours éclectique qui voit Claude Sautet abandonner très vite le film de genre de ses débuts (Classe tous risques, L'Arme à gauche), pour se lancer à partir des Choses de la vie dans des films plus intimistes (César et Rosalie, Vincent François Paul et les autres, Mado, Une histoire simple, Quelques jours avec moi, Un coeur en hiver), dans lesquels transparaît une sensibilité à fleur de peau. Essayant toujours d'aller plus loin, expérimentant des variations sur des thèmes qui lui étaient chers, craignant toujours d'en faire dire trop à ses personnages, tout en nuances, Claude Sautet déclara après avoir tourné son dernier film, Nelly et M. Arnaud : "Je réalise avec le recul que, malgré toute l'énergie que j'ai pu mettre dans chaque nouveau projet pour le rendre différent, au final, je n'ai pas arrêté de refaire le même film toute ma vie".

Un nouveau livre sur Woody Allen qui apporte un regard différent sur tous ses films et surtout qui tente d'offrir une approche analytique d'une oeuvre divertissante et complexe à la fois. En effet, Woody qui rit et Allen qui pleure sont les deux facettes d'un créateur qui plonge son inspiration dans le burlesque traditionnel mais aussi dans la magie, et qui s'inspire des plus grands cinéastes de la très riche histoire du cinéma mondial. Jean-Max Méjean, comme il avait su le faire pour Federico Fellini, propose ici une analyse de Woody Allen qui n'oublie aucunement l'aspect philosophique de son travail, ni son aspect psychologique. Le livre tente donc de percer le mystère d'un créateur prolifique et ponctuel qui, chaque année, donne rendez-vous à son imagination et essaie de comprendre les névroses de ses personnages et du monde qui les entoure. New York, la femme, le comique, la judéité, la psychanalyse, l'hypocondrie, la misanthropie parfois, le rire et les larmes sans oublier la solitude et le désarroi, tous ces archétypes sont convoqués pour brosser un portrait quasi complet d'un des plus grands cinéastes vivants. Entre drame et comédie, un cinéma à l'image de notre vie, revue et corrigée par un grand illusionniste. On sort alors de cette lecture, un peu envoûté comme Alice, avec pour seule envie, celle de clamer : Tout le monde love you Woody.

Auteur de dix films depuis 1976 (Je suis un autarcique, Ecce Bombo, Sogni d'oro, Bianca, La Messe est finie, Palombella rossa, La cosa, Journal Intime, Aprile, La Chambre du fils), Nanni Moretti est la figure dominante du jeune cinéma italien. Dans une veine de nature faussement autobiographique, cet "autarcique" s'inscrit en témoin attentif d'une Italie traversée de crises politiques et sociales dont il nous renvoie le reflet tantôt comique, tantôt inquiétant. Il est aussi analyste plein d'humour des fêlures comportementales qui affectent des individus sans repères.

Nanni Moretti, utilisant la comédie comme moyen de communication, jouant de son étonnante personnalité d'acteur, est un moraliste qui se place et qui nous place dans une situation inconfortable. Tour à tour étudiant, cinéaste, professeur, prêtre, homme politique, joueur de water-polo, avant d'être directement lui-même à l'écran puis de s'investir dans un rôle de psychanalyste, Moretti est un peu la conscience du cinéma italien, l'observateur lucide et ironique d'un pays en proie à ses démons, à ses fantasmes.

Sergio Leone, père reconnu du western à l'italienne, a su concilier la nostalgie de la légende américaine avec une ironie très moderne en devenant une authentique légende du cinéma mondial.

Il y eut une époque où le public, qui se bousculait pour voir les films de Leone, arrivait à défoncer les guichets, une époque où les moralistes l'accusaient d'apologie de la violence, où certains cinéphiles apprenaient par coeur les dialogues et où la musique de Il était une fois dans l'Ouest était jouée aux mariages à la place de la marche de Mendelssohn.

Les critiques ont aussi découvert depuis longtemps Sergio Leone: ils font l'éloge de son maniérisme outré, du mélange des éléments populaires et des éléments intellectuels, de la perversité de la syntaxe, de l'utilisation de la musique comme à l'Opéra, et - ce qui est plus rare aujourd'hui - de sa capacité à susciter d'authentiques émotions. Ce livre, préfacé par Luc Moullet, suit l'évolution de l'étonnante carrière de Sergio Leone, en l'insérant dans le panorama esthétique et industriel du cinéma italien. Des péplums des débuts aux westerns baroques et violents tels que Pour une poignée de dollars et Le Bon, la brute et le truand, pour finir par Il était une fois en Amérique, film-testament où Leone revisite les grandes mythologies américaines avec un style onirique et lyrique.