L’ouvrage inventorie de façon quasi exhaustive les différents liens existants entre les deux formes d’art que sont l’opéra et le cinéma en considérant tout d’abord l’adaptation d’un opéra à l’écran puis l’opéra comme acteur du film, l’opéra comme espace de jeu et d’action, la mise en scène opératique et enfin l’opéra en tant qu’inspirateur du film.

Les différentes approches (adaptation ou captation des grands opéras du répertoire mondial ; mise en scène inspirée de l’art opératique ; utilisation de la musique des grands opéras ; choix de l’opéra comme lieu de l’action ou comme décor du film) sont passées au crible en s’appuyant sur l’analyse précise d’une cinquantaine de films qui présentent une importance particulière.

Une analyse qui exploite le riche encart photographique et la filmographie préparés par le critique de cinéma italien Enrico Giacovelli.

L’opéra à l’écran est un livre collectif, dirigé par Jean-Max Méjean, avec des textes écrits par des auteurs, chercheurs, historiens, critiques et journalistes de cinéma, de théâtre et de musique (par ordre alphabétique) :
Tatiana Antolini-Dumas, Albert Bensoussan, Gisèle Breteau Skira, Hugo Dervisoglou, Víctor Fernández Calzadilla, Francis Guermann, Patrice Lajus, Dominique Legrand, Alexis Leroy, Bernard Lonjon, Jean-Jacques Manzanera, Caroline Masoch, Jean-Max Méjean, Pierre Miscevic, Jean-Michel Pignol, Jean-François Pioud-Bert, René Prédal, Jean-Michel Ropars, Zoé Valdés, Nicolas Villodre.

Pour célébrer l'un des plus talentueux réalisateurs vivants, il était nécessaire de faire appel à un ensemble de 27 chercheuses et chercheurs : une polyphonie d'esprits libres, psychanalystes, historiens, écrivains et, bien sûr, critiques de cinéma. Conçu pour nous faire revivre le plaisir que nous procure l'ensemble de son oeuvre, ce livre propose une analyse à la fois thématique et film par film des 23 longs-métrages et d'une bonne quinzaine de courts. Ainsi voyageons-nous, sous différents regards, dans le style et dans les univers de Roman Polanski, qui lui assurent une place magistrale dans l'histoire du cinéma mondial. Un vaste encart photographique original, composé par Enrico Giacovelli, présente des dessins et des extraits inédits de storyboard, ainsi que des photogrammes tirés de l'ensemble de ses films.

Certains comme "Le Locataire", "Chinatown", "Tess" mais surtout "Rosemary's Baby" sont devenus littéralement archétypaux. Comme le dit Malgosia Abramowska, son assistante personnelle depuis "Le Pianiste" interviewée ici par Alexandre Vuillaume-Tylski, "Roman Polanski est un chef d'orchestre qui sait jouer de tous les instruments". Apparaît alors l'image d'un homme perfectionniste, plein d'humour et d'attention, à mille lieues de l'image sulfureuse que les médias et certains critiques ont forgée depuis des dizaines d'années. Pour Roman Polanski, ainsi que l'écrit ici Michel Ciment, "le prince du Danemark est définitivement Hamlet. Il a sans doute trouvé dans la culture britannique ce dialogue entre tradition et découvertes qui lui est cher". Un livre hommage qui séduira à la fois les cinéphiles et les étudiants en cinéma.

Tout sur Fellini a pour ambition d'être, en cet anniversaire du centenaire de la naissance de celui qui est le réalisateur italien par excellence, la plus vaste et complète publication sur cet artiste et son cinéma. Il ne s'agit pas seulement d'une œuvre unique en raison de ses dimensions monumentales, mais aussi d'une œuvre très particulière, à la fois une encyclopédie et ouvrage collectif, extrêmement riche d'informations basiques (utiles pour ceux qui connaissent peu ou rien sur ce sujet) mais aussi d'approfondissements critiques (pour ceux qui sont déjà connaisseurs en la matière et qui voudraient la connaître mieux). Pour résumer, c'est à la fois un ouvrage de référence et de simple lecture, accompagné de centaines de photogrammes extraits directement des films du cinéaste et regroupés en fonction de leur thème.

Premier livre jamais publié au monde sur ce sujet, Rebelles on the Road raconte le mythe des deux roues vu à travers l'objectif cinématographique. Images, informations, anecdotes, curiosités, annotations critiques sur des centaines de films, accompagnent les lecteurs dans un captivant voyage qui ravira autant les fanatiques de cinéma que les passionnés de motos. Avec l'aide de nombreuses photos, ce livre retrace la grande histoire des bikermovies et des charismatiques riders du grand écran, du Marlon Brando de l'Équipée sauvage au Peter Fonda de Easy Rider, du Willem Dafoe de The Loveless au Anthony Hopkins de BurtMunro, de Steeve McQueen à Mel Gibson, de Mickey Rourke à Gérard Depardieu... Le tout en portant une attention particulière non seulement à l'évolution de ce genre culte des années 50 jusqu'à aujourd'hui, mais aussi aux détails techniques des modèles de motos utilisés dans chacun des films.

Enthousiasmant et entraînant comme un roman, Rebelles on the Road parle d'immenses espaces et de métropoles pleines de monde, de liberté et de peur, de rébellion et d'anticonformisme, de "gangs de voyous" et de héros impassibles, de Guzzi et de Harley, de Triumph et de Ducati, de cuir et de chrome, de courses effrénées sur les pistes et de chevauchées solitaires sur la route.

Personnage littéraire devenu célèbre grâce au cinéma Zorro est, depuis quatre-vingts ans, le protagoniste absolu des héros masqués. Il a été interprété par des acteurs comme Douglas Fairbanks, Tyrone Power, Alain Delon et Antonio Banderas, le dernier Zorro du grand écran. Il a été magistralement dessiné par le maître des comics américains, Alex Toth mais aussi par de grands artistes comme Walter Molino (dans une série conçue par Cesare Zavattini), Jacovitti et André Oulié. L'action se déroule dans une Californie que se disputent Mexicains, Américains et Espagnols au début du XIXe siècle ; Zorro est le dernier rempart d'une liberté mise constamment en danger, la liberté des humbles et des opprimés, des outragés par des bandits sans scrupule, par des gouverneurs rapaces. Apathique, indolent, vain, quand il est Don Diego de la Vega, il renaît derrière son masque où il donne libre cours à sa vraie nature ; il est alors prêt à utiliser le fouet et l'épée contre tous ses adversaires qui finissent toujours vaincus et marqués à jamais du terrible Z, le véritable signe de Zorro... Dans cet ouvrage, on retrouve son histoire avec de nombreux dessins et photographies en couleurs et en noir et blanc, ses innombrables aventures à l'écran et en bandes dessinées.

Cet ouvrage raconte l'histoire de l'ascension puis de la chute et enfin de la nouvelle ascension d'un des enfants les plus célèbres d'Hollywood. John Travolta débuta à la télévision et rapidement tourna des films comme La fièvre du samedi soir, Staying Alive et Grease. Il s'enlisa pendant quelques années jusqu'à ce que Quentin Tarantino lui propose de jouer dans Pulp Fiction. John Travolta dont la carrière semblait arrivée à un point de non-retour est aujourd'hui un des acteurs les plus recherchés. Cet hommage à John Travolta, un des plus fameux héros d'Hollywood, présente ses réflexions personnelles sur le métier d'acteur et sur l'argent, sur la vie et l'amour, sur le sexe et le cinéma. Il s'agit du portrait intime de John Travolta au travers de photographies connues et d'autres beaucoup plus rares.

Sergio Leone, père reconnu du western à l'italienne, a su concilier la nostalgie de la légende américaine avec une ironie très moderne en devenant une authentique légende du cinéma mondial.

Il y eut une époque où le public, qui se bousculait pour voir les films de Leone, arrivait à défoncer les guichets, une époque où les moralistes l'accusaient d'apologie de la violence, où certains cinéphiles apprenaient par coeur les dialogues et où la musique de Il était une fois dans l'Ouest était jouée aux mariages à la place de la marche de Mendelssohn.

Les critiques ont aussi découvert depuis longtemps Sergio Leone: ils font l'éloge de son maniérisme outré, du mélange des éléments populaires et des éléments intellectuels, de la perversité de la syntaxe, de l'utilisation de la musique comme à l'Opéra, et - ce qui est plus rare aujourd'hui - de sa capacité à susciter d'authentiques émotions. Ce livre, préfacé par Luc Moullet, suit l'évolution de l'étonnante carrière de Sergio Leone, en l'insérant dans le panorama esthétique et industriel du cinéma italien. Des péplums des débuts aux westerns baroques et violents tels que Pour une poignée de dollars et Le Bon, la brute et le truand, pour finir par Il était une fois en Amérique, film-testament où Leone revisite les grandes mythologies américaines avec un style onirique et lyrique.

La légende du cinéma raconte que, de retour à New York à la fin de la Seconde Guerre mondiale, Burt Lancaster fut découvert par un producteur qui, le rencontrant dans un ascenseur, le prit pour un acteur et lui proposa un rôle à Broadway. La pièce ne fut jouée que 23 fois, mais cela suffit pour attirer quelques dénicheurs de talents et Lancaster creva l'écran un an plus tard dans Les Tueurs. L'arrivée de Lancaster coïncida avec la montée du film noir qui convenait parfaitement à son physique et à sa personnalité et les allures maussades, inhérentes à ce type de rôle, contribuèrent à gommer ses défauts de jeunesse. Il s'imposa rapidement comme une des grandes stars d'Hollywood et cette ascension fulgurante forgea une volonté croissante de n'en faire qu'à sa tête - comme nombre de réalisateurs l'apprirent à leurs dépens.

Gardant l'oeil sur le box-office, mais également soucieux de faire moins de films populaires et davantage de films plus sérieux, il enchaîna tour à tour rôles d'action et rôles romantiques (L'Homme aux abois et La Flèche et le flambeau), mais incarna également des personnages à la sensibilité plus nuancée (Reviens petite Sheba et Tant qu'il y aura des hommes). Refusant une étiquette, il ne cessa de s'ouvrir à de nouveaux horizons et d'élargir son champ professionnel, alternant à la fois les incontournables westerns (L'Homme du Kentucky - dont il fut aussi le réalisateur - et Règlement de comptes à O.K. Corral) et les aventures acrobatiques (Trapèze), mais apparaissant aussi dans des rôles plus intimistes comme dans Le grand chantage et Elmer Gantry, le charlatan (qui lui valut un Oscar). Il sut ainsi s'imposer dans ses plus grands rôles, parmi lesquels Le Guépard de Luchino Visconti, 1900 de Bernardo Bertolucci, Atlantic City de Louis Malle et plus tard, en 1983, dans Local Hero où il incarnait un magnat du pétrole quelque peu excentrique. Il fut aussi un des premiers acteurs (avec Harold Hecht) à créer sa propre société de production dont sortirent un chapelet de succès, notamment Marty qui remporta trois Oscars, mais qui lui procurait surtout la maîtrise totale de tous ses projets, comme il l'avait toujours souhaité.

L'ouvrage de Robyn Karney retrace pas à pas la carrière mouvante de Burt Lancaster et 150 superbes photographies témoignent des innombrables facettes de son talent. Quand ce modèle d'inconstance s'éteignit en 1994, peu avant son quatre-vingt-unième anniversaire, il laissa un héritage de 77 films totalisant 40 ans de présence à l'écran, mais aussi une empreinte indélébile dans l'histoire du cinéma qu'il ne quitta jamais et qui jamais ne le quitta.

Elio Petri est l'un des réalisateurs italiens les plus importants. Sa notoriété à l'international est liée au succès de « À chacun son dû » (1967), mais surtout à « Enquête sur un citoyen au-dessus de tout soupçon » (Oscar 1971 pour le Meilleur film étranger) et à « La Classe ouvrière va au Paradis » (Palme d'or au Festival de Cannes 1972). Bien qu'on l'ait toujours rattaché presque exclusivement au cinéma engagé sur le plan politique et civique, sa position dans ce domaine - et même dans la culture de gauche de l'époque - a toujours été plutôt inhabituelle. Entre autres, c'est surtout dans la dernière phase de son travail, entre 1973 et 1982, année de sa mort prématurée à 53 ans, que le réalisateur met continuellement en jeu, film après film, sa vision personnelle du monde, plaçant son propre langage en dehors de toute appartenance à des tournures narratives réalistes. Son cinéma reste certes un cinéma politique, mais à un niveau différent, bien plus élevé et dialectique.

Le livre, qui contient deux courts récits du réalisateur, rend compte de l'itinéraire artistique de cet homme fascinant et complexe, athée, communiste, matérialiste, de culture française, sartrien, dans le but de considérer enfin son cinéma pour ce qu'il est réellement, c'est-à-dire une recherche névrotique visant à expérimenter de nouvelles structures narratives, dominée par une pensée hallucinée, un langage violent, coléreux, fébrile comme celui de Céline et, en même temps, anarchique comme celui de Bataille et de Sade, dans une optique grotesque et carnavalesque qui renvoie aussi à Bosch et Rabelais.

Fort, déterminé, taciturne, parfois rude, John Wayne a personnifié le parfait héros américain, et avec environ 200 films tournés en 50 ans de carrière, il a été l'un des plus durables porte-drapeaux cinématographiques des États-Unis. Pourtant, malgré sa renommée mondiale, l'Academy l'a toujours écarté pour ses idées farouchement conservatrices, ne lui décernant qu'un seul Oscar en 1970 pour Cent dollars pour un shérif.

Dans cet ouvrage, Mancino reconstruit une large biographie artistique de l'acteur, qui se confond avec une fresque grandiose de l'Amérique du XX^e siècle. De ses débuts à l'époque du cinéma muet (Tom, champion du stade, 1926) à La Chevauchée fantastique (1939), film décisif pour sa carrière, suivi de la Trilogie sur la cavalerie (Le Massacre de Fort Apache, La Charge héroïque et Rio Grande), La Prisonnière du désert (1956) et L'Homme qui tua Liberty Valance (1962), jusqu'aux rôles plus "modernes" comme dans Brannigan (1975), le récit de cette filmographie immense accompagne celui d'un pays divisé entre élans idéalistes et tradition conflictuelle, désirs de liberté et chasses aux sorcières névrotiques. Il en émerge le portrait d'un acteur qui, peut-être mieux que tout autre, a incarné avec tant de conviction les parts d'ombre et de lumière du mythe américain.

Complété d'un très riche catalogue d'images tiré directement des photogrammes des films, cet ouvrage retrace l'aventure artistique légendaire du "Duc" d'Hollywood, la star bourrue et réactionnaire qui aimait dire au sujet de son travail : "Dans les films je joue John Wayne à chaque scène, peu importe le personnage, et je m'en sors bien, non ?".

Michael Cimino a été l'un des noms les plus célèbres du cinéma américain entre les années soixante-dix et quatre-vingts. Mais, à une ascension fulgurante, a succédé une chute tout aussi soudaine, tout cela en l'espace de quelques années, faisant de lui un miraculé, puis un paria. Voyage au bout de l'enfer a attiré l'attention du grand public et celui de l'Academy. qui l'a récompensé avec 5 Oscars, tandis que l'échec commercial de La Porte du paradis a été tellement considérable qu'il a servi à sanctionner symboliquement la fin d'une époque, valant à son auteur un ostracisme inflexible de la part des producteurs et accélérant la fin de sa carrière.

Et pourtant Cimino incarnait une figure d'artiste très particulier, cultivé et visionnaire, perfectionniste jusqu'à la paranoïa, partisan d'un cinéma résultant d'une synthèse extrême entre l'emphase spectaculaire du Hollywood classique et une conception personnelle d'une très grande originalité. Excentrique et têtu. Cimino a failli parce que différent des grands noms de Hollywood : isolé et ambitieux, arrogant parce qu'orgueilleusement convaincu de ses propres capacités, obsessionnel jusqu'à friser la pathologie. Son cinéma, anachronique avec candeur, fait d'amples structures narratives et d'une direction maniaque des acteurs et des figurants, n'a jamais laissé indifférent mais a toujours provoqué d'âpres débats et polémiques, même pendant les quelques années de son grand succès international.

Ce livre, enrichi de nombreuses illustrations et se terminant par une interview du réalisateur, jamais publiée, n'a pas pour objectif de revaloriser l'oeuvre d'un auteur qui aurait pu devenir immortel, mais qui a fini tristement aux oubliettes. Il tente, au contraire, une analyse soignée de son travail pour aller au-delà de l'anecdote et du scandale qui. à partir de La Porte du paradis, ont influencé l'objectivité de nombreux juges sur son cinéma et sur sa vie.

Survenue en 2010, la disparition de Claude Chabrol a permis de jeter un regard rétrospectif sur une carrière particulièrement prolifique. Cet ouvrage a pour particularité de commenter chacun des 57 films de cinéma réalisés par l'auteur du Boucher, sans négliger pour autant sa production télévisuelle, encore largement méconnue. Cette démarche du "film après film" se veut être le reflet de celle de Chabrol lui-même, qui entendait, à l'instar de quelques-uns de ses auteurs de prédilection (Balzac, Simenon), édifier un "mur de briques", façonner une "mosaïque" propres à communiquer une "vision du monde", dont l'auteur du livre a voulu, dans une approche personnelle, montrer la cohérence aussi bien que le caractère foisonnant.

Bien entendu, cette démarche ne néglige pas les approches transversales, à même de faire résonner en écho les films entre eux, en faisant ressortir ici un motif visuel (un "plan signature"), là une préoccupation d'ordre philosophique. À cet égard, les nombreuses illustrations de l'ouvrage, légendées avec précision par l'auteur, rendent encore plus éloquente cette approche à la fois analytique et synthétique. Si la production chabrolienne comprend son lot de titres improbables, voire ultra-mineurs, le livre présente l'originalité de chercher néanmoins à les resituer dans le puzzle d'ensemble. De même, les dernières oeuvres du cinéaste, un peu négligées par la critique française, font elles aussi ici l'objet d'une réévaluation.

Ainsi, par-delà les diverses "périodes" de l'oeuvre de Claude Chabrol (période "Nouvelle Vague", période Génovès/Stéphane Audran...), est-ce un regard que le présent livre s'emploie à faire sentir, un regard assez unique fait de circonspection et de passion pour la nature humaine, d'interventionnisme et de désinvolture. Une fois la mosaïque patiemment reconstituée par l'auteur de l'ouvrage apparaît le portrait d'un artiste qui, à partir du confort apparent de son cinéma, de sa fluidité de plus en plus revendiquée, amène le spectateur à reconsidérer ses certitudes les mieux ancrées. Ce livre s'emploie ainsi à montrer comment Chabrol va jusqu'à questionner la capacité du langage à appréhender le réel, aussi bien que le caractère transparent de la représentation cinématographique. D'où la modernité toute paradoxale de cette oeuvre, que le présent ouvrage entend mettre en lumière.

Jouissant d'un énorme succès international, le cinéma de Bernardo Bertolucci est inimitable par de nombreux aspects. De Prima della rivoluzione (1964) à Moi et toi (2012) chaque image de ses films résulte d'un artifice expressif, scénographique, luministique, aucune ne se contente de reproposer la réalité "comme elle est" sans intervenir pour la transformer et la sublimer. Le cinéma de Bertolucci est celui du "tout est possible", de bailleurs et de l'impasse. Un cinéma spectaculaire et complexe qui se met continuellement à l'épreuve, qui regarde la réalité avec concupiscence et étonnement, comme la Terre vue de la Lune.

Du souffle épique de la superproduction au minimalisme du récit quotidien, des canons du roman du XIXe (1900, Le Dernier Empereur) au scandale du sexe le plus transgressif (Le Dernier Tango à Paris) jusqu'à la forme du théâtre de chambre (Innocents:The Dreamers), il y a toujours un lien avec l'histoire du cinéma qui revit dans le présent. C'est dans cette "infinitude", qui lie la vie à l'imaginaire, que réside peut être son secret le plus précieux. Les films de Bertolucci sont toujours contemporains, quand ils parlent du fascisme qui naît et meurt dans la plaine du Pô (1900) ou de la morosité des années de plomb (La Tragédie d'un homme ridicule) ou bien quand ils se déroulent au coeur de la Chine (Le Dernier Empereur), au Népal (Little Buddha), dans le Sahara (Un thé au Sahara), dans une villa du Chiantishire (Beauté volée) ou dans les caves d'un immeuble bourgeois de Rome {Moi et toi), ils instaurent toujours une ligne directe avec le spectateur idéal qui "en rêvant désire encore rêver" et dans cette euphorie onirique prolonge ses désirs, et avec le cinéma, parfois découvre des vérités.

Un an après la disparition d'un grand Maître du cinéma, ce livre propose de voyager en compagnie de ses films, de l'oeuvre de jeunesse Les Recrues (1962) à The Echo Chamber, hélàs inachevé.Tous les films sont accompagnés d'analyses critiques, de brefs commentaires de Bertolucci lui-même et d'une documentation iconographique riche de centaines de photos et photogrammes qui illustrent le texte.

"Faire des films, c'est aussi replonger par ses plus profondes racines jusque dans le monde de l'enfance..." : Bergman a souvent évoqué le monde de l'enfance mais toujours en tant qu'accès privilégié à la dimension de l'imaginaire, donc de la matière sauvage et irrationnelle des rêves, où se dissimulent les pulsions les plus secrètes et révélatrices du Moi. La force prodigieuse des créations visuelles et narratives du réalisateur suédois - le chevalier médiéval qui joue aux échecs avec la Mort ; un vieil homme et les fantômes de son enfance ; la dangereuse confrontation entre les identités de deux femmes ; un enfant qui lutte contre le Mal incarné par un évêque - dérive aussi du fait qu'elles s'insèrent dans un imaginaire riche d'une tradition littéraire et figurative qui s'étend jusqu'au vingtième siècle, puisant notamment sa source chez Strindberg et Ibsen. Depuis la fin des années 1930 jusqu'à sa mort, en 2007, Ingmar Bergman a été l'auteur d'une œuvre immense qui s'est exprimée dans les mises en scène théâtrales, dans l'écriture dramaturgique et narrative mais surtout dans le cinéma avec la réalisation de presque 70 films qui lui offrirent une renommée internationale.

Dans ce livre, une sorte de guide analytique et historique du cinéma bergmanien, accompagné d'un important contenu iconographique basé presque exclusivement sur des photogrammes extraits des films de Bergman et choisis en rapport étroit avec le texte, sont examinées une à une toutes les œuvres cinématographiques du maître suédois ; de Crise (1946) à Sarabande (2003), en passant par les classiques des années 1950 (Le Septième Sceau, Les Fraises sauvages), les films "de chambre" des années 1960 (Persona, L'Heure du loup), jusqu'à l'onirique Cris et Chuchotements, au film-fieuve Scènes de la vie conjugale et au magnifique film qui résume son œuvre, Fanny et Alexandre. L'analyse de chaque film prend en compte sa matrice, son histoire entre vicissitudes et manipulations de la censure, son originalité et son autonomie tout comme ses connexions avec l'oeuvre complète du réalisateur. Et pour la première fois sont également traités, de manière exhaustive, ses films produits pour la télévision entre 1957 et 2000, qui restent "cinématographiques" à tous les effets.

Réalisateur, mais également acteur, scénariste, producteur et même distributeur, Quentin Tarantino est avant tout un cinéphile omnivore qui a fait de ses obsessions la matrice d'un genre cinématographique à part entière : chacun de ses films est un "film de Tarantino" avant d'être une histoire de gangsters, un pulp movie ou un western. Pour permettre aux lecteurs d'apprécier pleinement toute la complexité et l'originalité de cette icône de la culture de masse contemporaine, Alberto Morsiani offre ici une lecture complète de son cinéma. Chaque film est raconté, analysé individuellement et accompagné de photos emblématiques, puis répertorié dans sa filmographie (qui, outre les réalisations du cinéaste prodige, mentionne ses scénarios, ses interprétations et ses productions). Et pour élargir encore le champ de connaissances de l'univers tarantinien, d'autres contenus accompagnent la rétrospective des films : un dictionnaire rassemble et classe les déclarations du réalisateur sur la vie, son travail et ses convictions, du A de À bout de souffle ("Voilà un film qui comble toutes mes passions") au Z de Zombie, en passant par Cadrage, Gus Van Sant, Inspiration, Martin Scorsese, Musique, Politique, Star, Vols et des dizaines d'autres mots.

Clos par un chapitre révélant toutes les anticipations disponibles sur ses projets en cours, cet ouvrage offre aux lecteurs l'enquête la plus complète et approfondie sur l'oeuvre de Tarantino. Il met en avant le vent de nouveauté constant que Quentin Tarantino insuffle dans le cinéma et la culture dans le monde entier.

Un temps snobée par la critique, la comédie à l'italienne est aujourd'hui considérée par tous comme une époque heureuse et unique. Genre porteur des années d'or du cinéma italien, et bien que révolu depuis 1980, la comédie continue à influencer le cinéma comico-satirique de nos jours. Cet ouvrage se consacre essentiellement à la comédie à l'italienne à proprement parler : celle compte des réalisateurs tels que Mario Monicelli, Dino Risi, Ettore Scola, Luigi Comencini, Pietro Germi ; des metteurs en scène tels que Age et Scarpelli, Benvenuti et De Bernardi ; et des acteurs comme Vittorio Gassman, Nino Manfredi, Alberto Sordi, Ugo Tognazzi, Marcello Mastroianni, Catherine Spaak, Monica Vitti et Claudia Cardinale.
Le livre contient 127 fiches monographiques dédiées aux principaux auteurs et acteurs du genre et plus de 400 photographies tirées des films cités. Mais surtout il est écrit, sans compromettre le sérieux de l'approche historique et critique, dans le style de la comédie à l'italienne classique, courageux, anti-conformiste, polémique, amusant, amer. Ainsi, en plus d'être une histoire de la comédie à l'italienne, c'est aussi une petite histoire de l'Italie et des Italiens.

Durant ses années d'argent, le cinéma comique américain commence à parler mais tire encore le meilleur de la grande leçon du muet : si Keaton et Lloyd s'engagent sur le boulevard du crépuscule, Chaplin arrive à maturité et Laurel & Hardy réalisent leurs films les plus drôles et populaires tandis qu'explose la bombe sonore des frères Marx, de W.C. Fields et des films comiques musicaux.

Mais c'est désormais la comédie sophistiquée qui règne à Hollywood et le cinéma comique pur se réfugie dans les dessins animés avant que les feux de la rampe ne s'éteignent.

Des titres comme Lolita, Le Docteur Folamour, 2001 : L'Odyssée de l'espace et Orange mécanique font à jamais partie du langage courant. Les personnages et les images de Spartacus, Barry Lyndon et Full Métal Jacket ont marqué l'imaginaire collectif et sont devenus des références incontournables (y compris dans la publicité, les clips vidéo et les dessins animés tels que Les Simpson). En 50 ans d'activité, Stanley Kubrick n'a réalisé que treize longs métrages, mais il a atteint un tel niveau de perfection technique et de profondeur de contenus qu'il s'est mérité la réputation de provocateur intellectuel et de réel génie du cinéma (paradoxalement, comme Welles et Hitchcock, il n'a jamais été récompensé d'un Oscar du meilleur réalisateur). Cette monographie n'est pas consacrée au mythe du "personnage" Kubrick, qui a alimenté la fantaisie des journalistes, mais exclusivement à l'analyse de son oeuvre.

Ses films - de Fear and Desire jusqu a Eyes Wide Shut, son dernier film et le plus controversé - sont non seulement interprétés comme les étapes d'un parcours artistique individuel extraordinaire, mais ils sont également replacés dans le contexte culturel de l'histoire du cinéma et de la société américaine avec une incroyable richesse de références croisées, d'analyses techniques et d'anecdotes des coulisses. Stimulant et non conventionnel, cet ouvrage de Marcello Walter Bruno offre à tous les passionnés plusieurs clés pour accéder aux thèmes et au style du créateur de Shining.

Il met en évidence, des années après ta disparition du réalisateur, l'inaltérable nouveauté de toute son oeuvre.

"Le Pasolini de Piero Spila revient nous surprendre avec son infinie complexité. Spila s'approche de lui avec un oeil hitchcockien..." - Bernardo Bertolucci

Un livre dédié en particulier aux nouveaux spectateurs du cinéma de Pier Paolo Pasolini, invités à voir ou à revoir ces films sans être conditionnés par les histoires personnelles et artistiques de l'auteur et par le contexte souvent féroce dans lequel ils virent le jour.

Avec Pasolini, regarder en arrière signifie éprouver une sorte de vertige, celui que l'on ressent lorsqu'on se reflète dans un temps immobile, un présent infini dans lequel tout a changé et tout semble pourtant marquer le passé. Quarante ans après sa mort, Pasolini est toujours présent, et son cinéma révèle sa force demeurée intacte, capable aujourd'hui encore de susciter surprise et émotion. Du premier cadrage d'Accattone (1960) jusqu'au dernier photogramme de Salô (1975), Pasolini a raconté l'histoire de l'Italie tout en en faisant la critique. C'est pourquoi son cinéma n'est pas moderne (du moins pas dans le sens de Rossellini ou de Renoir), mais il est contemporain, dans le sens où il n'est pas lié à la période dans laquelle il s'inscrit, il est hors norme, hors gabarit.

Il est curieux que la critique cinématographique, dans la plupart des cas, ait évoqué le sens profond de son travail en utilisant des critères de jugement traditionnels et en s'attardant donc sur "l'imperfection fertile" de ses films, perdant de vue (ou sous-évaluant) l'aspect plus singulier, hybride, troublant, d'un cinéma qui, comme l'a dit Patti Smith, "a été capable de raconter en saignant une époque qui saignait".

PIERO SPILA, journaliste, critique cinématographique et scénariste, vit et travaille à Rome. Ses débuts en 1967 comme rédacteur pour la revue Cinema e film lui donnent l'occasion de collaborer avec Pier Paolo Pasolini. Auteur d'essais et de monographies, il enseigne aussi le langage cinématographique et est actuellement vice président du Syndicat National des Critiques Cinématographiques Italiens (Sncci) et co directeur de la revue Cinecritica.

Ce second volume de l'histoire du cinéma comique américain est également consacré au muet, et en particulier à ses années d'or, revenues à la mode grâce au film The Artist.

D'un côté, des dizaines d'acteurs comiques considérés comme mineurs aujourd'hui, mais qui faisaient fureurs à l'époque, font leur apparition : de Ben Turpin à Snub Pollard, de Max Davidson à Charley Bowers, mais aussi des enfants, des chiens, des singes... Et d'un autre côté, des maîtres atteignent la perfection et passent au long-métrage : Charlie Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, mais aussi Harry Langdon et Max Linder. Nous rencontrons les premiers héros de dessins animés : les dinosaures et les moustiques de Winsor McCay, les petites filles et les lapins du jeune Walt Disney, le célèbre chat Félix.

Et à la fin des années vingt, apparaissent les deux acteurs comiques qui, aujourd'hui encore, restent les plus populaires et les plus appréciés : Stan Laurel et Oliver Hardy. Comme dans le premier volume (Tartes à la crème et coups de pied aux fesses), ce cinéma et ce monde sont examinés avec une attention critique moderne sur la base d'une vision directe des films, mais ils sont aussi racontés avec passion et ironie : pour offrir au lecteur non seulement un texte d'étude et de consultation, mais aussi une "histoire aventureuse", facile et plaisante à lire.

De Hitler à Staline, de Mussolini à Franco, de Salazar aux régimes de l'Est, ce beau livre nous explique comment le cinéma a raconté les dictatures européennes, en revenant non seulement sur les films à grand succès (comme la liste de Schindler), mais aussi sur ceux moins connus ou disponibles en France en DVD uniquement.

Des genres apparemment complètement différents les uns des autres - dramatique, science-fiction, grotesque, horreur, engagé, satirique, comique - composent une fresque hétérogène et complète, qui raconte les périodes sombres de l'histoire européenne à travers l'oeil désacralisant ou complaisant des scénaristes et des réalisateurs.

Les dictateurs au cinéma n'est pas un livre politique, ni même une critique cinématographique : c'est un travelling immanquable de films, de faits, de personnages et d'époques qui méritent que l'on se souvienne d'eux.

Ce livre rend hommage à un mythe du cinéma de tous les temps : Charles Chaplin. Le personnage du Vagabond, qu'il a créé et interprété dans de nombreux films à succès, est et restera une des figures les plus célèbres de l'histoire du spectacle, connue dans le monde entier. Mais de l'homme, de Chaplin tel qu'il était dans le privé, nous ne connaissions que très peu de choses. Cet ouvrage est le récit direct des dernières années, tumultueuses, que Chaplin a passé à Hollywood et de sa vie en Suisse après qu'on lui ait refusé l'autorisation de rentrer aux Etats-Unis. Jerry Epstein fut le témoin direct de nombreux événements de cette époque-là, grâce à l'amitié qui le liait à Chaplin et leur collaboration artistique ; il a, en effet, travaillé, pendant au moins treize ans, d'abord à Hollywood au Circle Theatre, théâtre d'avant-garde créé par Epstein, puis sur les trois derniers films de Chaplin : Les Feux de la rampe, Un roi à New York et La Comtesse de Hong-Kong. L'abondance des détails et anecdotes inédits révélés par Epstein nous font pénétrer dans les recoins de la vie de Chaplin et nous révèlent des aspects inconnus de son activité artistique : par exemple, on peut lire pour la première fois une description détaillée du travail (tenu secret pour le public) qu'il effectuait pour le Circle Theatre, où Chaplin faisait répéter les jeunes acteurs très tard dans la nuit : " Ma rétribution ", plaisantait-il toujours, " est de trente-cinq centimes et une tasse de café noir ". En feuilletant les pages de ce livre, on voit Chaplin créer avec une attention minutieuse les séquences comiques de ses films, y compris le fameux numéro de music-hall avec Buster Keaton dans Les Feux de la rampe. Epstein y décrit également la persécution par le FBI et la Commission des activités anti-américaines dont Charlie fut victime, la paix et la sérénité qu'il retrouvera finalement en Suisse, aux côtés de sa femme et de sa famille de plus en plus nombreuse. Errol Flynn, Sophia Loren, Kay Kendall, Buster Keaton, Marlon Brando et même Sylvester Stallone ne sont que quelques-uns des personnages que nous rencontrons au cours de ce voyage dans le monde du spectacle, mais la plus grande surprise de ce livre est sans aucun doute l'extraordinaire et inattendue publication de photographies absolument uniques de nombreuses étant même inédites appartenant à la collection privée de Jerry Epstein, photographies qui feront la joie de tous les lecteurs et différencient cet ouvrage des traditionnelles biographies. Ceux qui pensent avoir entre les mains une biographie classique devront changer d'avis : à la lecture de ces pages de Epstein, où se succèdent les scènes d'un comique irrésistible et les grands moments d'émotion, Charlie Chaplin nous semble, l'espace d'un instant, encore vivant parmi nous.

Que seraient les stars du cinéma français sans leurs habiles seconds rôles, sans le soutien irremplaçable de ces artistes qui ont employé leur propre talent à faire resplendir l'étoile de ces vedettes ?

Dans la période 1930-1960, les Excentriques, c'est-à-dire les grands seconds rôles, ont suscité de nombreuses publications. La période qui s'est ouverte avec la Nouvelle Vague attendait encore un livre de célébration de ces "acteurs de caractère" qui ont marqué l'histoire du cinéma français, suscité l'admiration des cinéphiles mais dont le grand public, s'il connaît leurs visages, ne connaît que rarement leurs noms.

Il s'agit à la fois des grands "seconds rôles" que l'on retrouve dans des dizaines de films, mais aussi de grands acteurs de théâtre que le cinéma n'emploie que pour des personnages spécifiques, ou d'acteurs vedettes de films d'auteurs, d'acteurs fétiches de tel ou tel grand cinéaste, n'accédant pas au succès commercial.

Chacun de ces 135 acteurs bénéficie dans ce livre d'une présentation retraçant sa carrière, évoquant ses personnages les plus marquants, le texte biographique étant chaque fois illustré d'un portrait et de photos de films. Même si la plupart sont déjà dotés d'un important parcours cinématographique, ils n'en demeurent pas moins les Méconnus du cinéma français.

Almodovar, Amenébar, Bunuel... mais aussi Bayona, Del Toro, Inàrritu : cet extraordinaire volume a le mérite de faire connaître, outre les productions des grands maîtres internationaux, d'autres cinéastes, d'autres histoires et genres cinématographiques qui - bien que (presque) totalement inconnus pour nous - ont, dans leur pays d'origine, attiré des millions de spectateurs dans les salles de cinéma, consacré des acteurs et actrices de talent, reflété des bouleversements politiques aux répercussions planétaires, remporté des prix lors de compétitions prestigieuses et souvent influencé les styles et les thématiques des grands réalisateurs américains et européens.

Fiche après fiche, ce livre raconte et synthétise - pour la première fois de manière aussi complète - le meilleur du cinéma en langue espagnole, plaçant côte à côte des films à but "commercial" et des films "engagés", les oeuvres des réalisateurs les plus reconnus et les débuts des jeunes espoirs du cinéma mexicain ou uruguayen, des films distribués en France et d'autres uniquement à l'étranger.

Avec pour résultat, non seulement une multitude d'informations, d'images et de noms, mais un cadre d'ensemble culturel et artistique d'une exceptionnelle profondeur, qui met en lumière des oeuvres et des auteurs peu connus et enrichit d'un sens nouveau nombre de films célèbres, de L'Ange exterminateur à Tout sur ma mère, du Labyrinthe de Pan à L'Orphelinat, d'Amours chiennes à Mar adentro.

Une somptueuse célébration de la vie d'Audrey Hepburn, illustrée par de très nombreuses photographies, retraçant l'histoire d'une femme, d'une actrice, d'un personnage qui a offert à la mythologie du cinéma un talent rare et un charme incomparable, imité par des millions de femmes du monde entier.

De son enfance en Hollande, occupée alors par les nazis, à ses aspirations de danseuse étoile, d'une foudroyante célébrité conquise sur la scène de Broadway au triomphe mondial de "Vacances romaines" qui lui valut l'Oscar de la meilleure actrice et marqua le début d'une série de films qui eurent un grand succès, cette histoire retrace les fastes d'une carrière placée sous le signe de la sympathie et du charme le plus irrésistible. Anguleuse et juvénile, mais extrêmement féminine, elle imposa en quelques années un physique et un style vestimentaire - signé Givenchy pour la plus grande partie - qui furent immédiatement copiés aux quatre coins du monde.

Après son retrait prématuré du cinéma, elle s'engagea dans une lutte pour la défense des enfants du tiers-monde, lutte passionnée empreinte d'une grande humanité, ce qui lui valut l'admiration du monde entier. Et ce n'est pas par hasard que, le jour de sa mort, Liz Taylor fit le commentaire suivant : "à présent, Dieu a auprès de lui un nouvel ange, merveilleusement beau, un ange qui saura parfaitement s'occuper du paradis."

Cinéaste italien né en 1940, Dario Argento a acquis une réputation mondiale de "Maître de l'horreur" ou "Maître du giallo" avec notamment L'Oiseau au plumage de cristal (1970), Profonde rosso (1975) ou Suspiria (1977). Ce succès a cependant masqué les autres facettes de sa créativité, beaucoup plus riches et complexes qu'il n'y paraît. L'ensemble de son oeuvre, à la croisée de tous les arts, s'impose comme une profonde réflexion sur l'Art et les artistes en général (avec le sommet du Syndrome de Stendhal en 1996), et offre un passionnant univers de conte initiatique tout en ménageant une violente critique sociale.

Cet ouvrage, enrichi d'une interview récente disséminée dans le texte, retrace l'ensemble de la carrière du réalisateur, dans sa continuité (la première partie analyse chacun des films dans l'ordre chronologique) et dans sa transversalité avec un essai final mettant en perspective les relations de son oeuvre avec les autres arts (en particulier la peinture, l'opéra et la musique). Écrit dans une langue à la fois précise et accessible, cet ouvrage se propose de faire découvrir et aimer l'oeuvre du réalisateur, grâce à des outils critiques dont pourront tirer profit ceux qui la connaissent à peine aussi bien que les spécialistes.

Il existe une ville où tout le monde peut aller sans risquer de s'ennuyer. Une ville où la fantaisie est loi et le coeur l'unique manuel à consulter. Une ville où animaux, plantes et objets s'animent aux côtés des êtres humains. Et nous allons conter l'histoire de cette étonnante cité, Toonville...

La carrière de Monica Bellucci doit beaucoup à la France où, comme nulle part ailleurs, metteurs en scène et producteurs ont misé sur sa beauté charismatique et son jeu d'actrice, qui ne cesse de s'affiner au cours du temps. Cet ouvrage passionnant, à la fois biographique, critique et anecdotique, rend un hommage mérité à la merveilleuse star italienne qui a choisi la France comme pays d'adoption. De ses débuts comme top-model et son lancement en Italie, à ses rôles de plus en plus complexes dans des films tels que L'Appartement, - pour lequel elle fut nommée aux Césars - Malena, - sans doute une de ses interprétations les plus significatives -, Le Pacte des loups, Souviens-toi de moi de Gabriele Muccino - qui lui valut le Nastro d'argento du meilleur second rôle féminin -, She hate me, Agents secrets, Les Frères Grimm, Combien tu m'aimes ?, sans oublier ses tout derniers projets en date Le Concile de pierre, N-Napoléon, elle n'a cessé d'étonner par ses choix d'actrice - Irréversible - ou ses courageuses prises de position dans le domaine social. Entre formes sculpturales et tête bien faite, glamour et authenticité, la personnalité sensible de cette actrice réservée est cernée ici dans une synthèse approfondie et de lecture très agréable.

Longtemps considérée comme la plus belle femme du monde, Ava Gardner fut l'une des stars les plus emblématiques, faisant rêver des générations de cinéphiles. Héroïne d'une histoire d'amour passionnée avec Frank Sinatra, elle fit perdre la tête à quelques amants notoires. Elle fut une comédienne accomplie, bien qu'elle s'en défendît, tant on s'acharna à commenter l'agitation de sa vie privée au détriment de ses performances les plus achevées. Ava Gardner méritait un hommage à la hauteur de son aura. Malgré l'abondante littérature qui lui a été consacrée, jamais aucun livre n'avait mis en lumière les correspondances entre sa vie et ses rôles à partir de ses plus belles photographies. Ce livre est un bel hommage à celle qui projeta, malgré elle, la magie du rêve hollywoodien sur les écrans de cinéma de l'immédiat après-guerre. Sa beauté rehaussait chacun de ses films au rang des chef-d'œuvres nécessaires. Aujourd'hui encore, la regarder, c'est accéder à un monde où le sublime est quotidien. Où qu'elle se trouve, sur un misérable lit, entourée de gangsters (Les Tueurs), dans la jungle de Mogambo ou dans le rêve du Hollandais volant (Pandora), Ava Gardner transfigure le moindre objet, transcende la réalité et élargit les murs étouffants du cinéma américain. Joseph L. Mankiewicz dans La Comtesse aux pieds nus, George Cukor dans La Croisée des destins, John Huston dans La Nuit de l'iguane et Albert Lewin dans Pandora, ont eu le génie de hisser ce personnage hemingwayen sur un piédestal mythologique : le seul qui soit à la hauteur de cette star inaccessible et vulnérable, comblée et insatisfaite, enchanteresse et désenchantée, déesse en rupture d'Olympe, égarée sur terre pour son malheur.

A travers un récit passionné et un extraordinaire voyage photographique, entre glamour hollywoodien et simplicité d'une beauté affranchie, la vie et la carrière tumultueuses de la Comtesse aux pieds nus...

Dès la fin de la guerre, et pendant plus de trois décennies, le cinéma italien a enchanté les écrans du monde entier avec les chefs-d'oeuvre de la saison néoréaliste (Rome ville ouverte, Le Voleur de bicyclette, Riz amer...), les grands succès de la "comédie à l'italienne" (Les Monstres, Le Fanfaron, Nous nous sommes tant aimés...) et un cinéma d'auteur d'une grande richesse (les films d'Antonioni, Fellini, Pasolini, Visconti).

Mais à partir des années quatre-vingt le cinéma transalpin est entré peu à peu dans une période de déclin, dont les origines sont multiples (création des télévisions privées, absence de loi protégeant le cinéma et incitant à la création cinématographique, vieillissement des salles de cinéma...). En outre, peu de nouveaux auteurs de dimension internationale sont "nés" pendant cette période, mis à part Nanni Moretti dont le premier film, Je suis un autarcique date de 1976. "On le croyait mort mais il n'était qu'évanoui" pourrait-on dire en pastichant le titre d'un film de Felice Farina. En effet, le cinéma italien a continué à exister et à produire une centaine de films par an. Certes, un problème de relève s'est posé. Comment aurait-il pu en être autrement lorsqu'il a fallu succéder à des génies créatifs tels que Rossellini, De Sica, Visconti, Pasolini, Fellini ou à des comédiens comme Ugo Tognazzi, Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman, Alberto Sordi ?

Aujourd'hui une nouvelle génération d'auteurs et de comédiens a atteint une maturité expressive et doit pouvoir assurer cette relève sur la scène internationale. C'est sans doute le cas désormais des Moretti, Benigni ou Tornatore, ce sera demain celui des Archibugi, Crialese, Garrone, Martone, Muccino, Ozpetek, Virzì, Winspeare... aidés en cela par une nouvelle génération de comédiens qui ne demande qu'à briller (Stefano Accorsi, Asia Argento, Monica Bellucci, Sergio Castellitto, Margherita Buy, Giovanna Mezzogiorno...).

Le cinéma italien d'aujourd'hui fait le point sur l'état actuel du cinéma de la péninsule et retrace l'évolution d'une cinématographie que l'on a cru, à tort, moribonde et qui aujourd'hui étonne les observateurs par sa vitalité et l'importance du renouvellement de ses cadres. Les réalisateurs de "l'âge d'or" du cinéma italien côtoient, dans cette étude soignée, la nouvelle génération. Un dictionnaire du jeune cinéma italien conclut cet ouvrage utile aussi bien au professionnel qu'à l'étudiant ou au cinéphile.

Je compare la création artistique à la faim... Elle augmente à mesure que ma solitude augmente. Je me suis fait comprendre dans un langage qui vu au-delà des mots qui me trahissaient, au-delà de la musique que je n'ai jamais pu dominer, au-delà de la peinture qui m'a toujours laissé indifférent. J'ai soudain découvert que je pouvais correspondre avec le reste du monde dans un langage venant du fond de l'âme, formant des phrases qui échappaient au contrôle de mon intellect de façon presque sensuelle. J'ai perfectionné mon langage avec la détermination absolue et obstinée d'un enfant et pendant vingt ans, inlassablement, frénétiquement j'ai rempli le monde de rêves, de fantaisies, d'excès intellectuels et d'élans de folie...
Ingmar Bergman

Depuis les premiers films classiques comme Le septième sceau et Les Fraises sauvages, jusqu'au dernier chefs-d'oeuvre, Fanny et Alexandre, Ingmar Bergman a réalisé des films qui ont changé la façon de considérer le cinéma. Bien que s'étant retiré du cinéma, il poursuit cependant son activité de metteur en scène de théâtre et d'écrivain et reste ainsi une référence en matière de littérature et d'art dramatique.

Le présent ouvrage, Ingmar Bergman - Le cinéma, le théâtre, les livres, recueille pour la première fois ce qui a été dit ou écrit par Bergman lui-même et par d'autres grands du cinéma, du théâtre et de la littérature sur le thème "Ingmar Bergman". Au travers des articles ou des essais de Woody Allen, James Baldwin, François Truffaut Coryn James, John Lahr et Jean-Luc Godard, des interviews à Bergman, Liv Ullmann et Bibi Andersson, des contributions de Max von Sydow, Gunnel Lindblom et Eva Dahlbeck, nous apprenons comment Bergman réalisait ses films, comment il travaillait avec ses acteurs, ce qu'il pensait de son public, de sa carrière et sa décision récente de s'éloigner du cinéma pour se consacrer au théâtre et à la littérature. Les films de Bergman, ses textes théâtraux et ses romans prennent un autre relief grâce ci cet ouvrage qui rend justice à l'ampleur et à la durée de la carrière d'un artiste complet.

De leur début néoréaliste à leur tout dernier film, Résurrection, l'oeuvre complète de deux "artisans" géniaux et secrets, créateurs unanimement reconnus d'un cinéma d'une rare intensité. Une sélection de critiques de grande qualité, accompagnées des plus belles photos de tournages.

Les films de Paolo et de Vittorio Taviani représentent sans doute une des formes d'expression les plus significatives du cinéma d'après-guerre italien, aux plans artistique et culturel : la profondeur et la gravité des thématiques, l'intensité expressive de l'image et du récit, la recherche d'un langage original mêlée à la transformation de la tradition littéraire, figurative et musicale, en un vivant outil au service de l'art et de la connaissance, constituent les caractéristiques les plus marquantes de leur production artistique.

Ce livre entend retracer l'oeuvre complète des deux réalisateurs toscans, en analyser le développement d'un point de vue critique, et montrer les phases d'approfondissement, de révélation progressive et de décantation des thèmes et des formes qui leur sont propres.

Cette relecture des films des frères Taviani souligne le caractère érudit de leur cinéma, d'un point de vue linguistique, surtout sensible dans l'évocation constante de grands écrivains comme Tolstoï et Pirandello, et à travers leurs façon d'appréhender le paysage toscan, à la fois naturelle et profondément marquée par la grande tradition figurative de la Renaissance. Cette approche met également en relief la continuité d'une volonté d'approfondissement et d'expérimentation, trait d'union des diverses étapes du parcours stylistique des deux réalisateurs : de leurs débuts, qui se réclament de façon explicite et originale des grands maîtres du néo-réalisme italien - De Sica, Rossellini et Visconti -, à la recherche de nouvelles formes de fusion entre le langage cinématographique et celui du mélodrame musical, de la découverte du bonheur de la vision et du récit, à la stylisation formelle, liée à la réflexion tragique sur le destin de l'Homme, face aux lois inexorables de la Nature et de l'Histoire.

On ne peut manquer de noter la présence d'une constante, tout au long de leurs réalisations: celle de l'existence de deux pôles - l'un positif, euphorique, solaire, et l'autre dispensateur de dysphorie, négatif et nocturne -, autour desquels transitent et oscillent les contenus et les formes. De film en film, ou de phase en phase - ou encore à l'intérieur du même film et de la même phase -, c'est autour de ces deux pôles que s'oriente la position des cinéastes face aux grands thèmes qu'ils abordent : celui des passions - la passion politique et idéologique d'abord, et les passions primaires ensuite -, celui du rapport de l'Homme avec la Nature, origine et source de la Beauté mais également de l'aspect tragique de l'existence, et enfin celui de la valeur de la représentation artistique dans la condition existentielle de l'Homme et de son Histoire. Dans cette perspective, qui souligne la complexité et la qualité artistique du cinéma des Taviani, ainsi que sa capacité à s'adresser à un vaste public, le rôle essentiel de l'abondante documentation photographique (en grande partie inédite) caractéristique de ce livre - depuis le premier film des cinéastes, Un homme à brûler, jusqu'au plus récent, Résurrection - confirme le caractère exceptionnel et l'intensité figurative de leur oeuvre.

1947 : Sciuscià de Vittorio De Sica remporte un Oscar d'honneur.

1998 : La Vie est belle de Roberto Benigni obtient l'Oscar du meilleur film étranger, celui du meilleur acteur et celui de la meilleure bande sonore.

Cet ouvrage essentiel retrace plus de cinquante ans de cinéma italien aux Academy Awards, dont l'histoire passionnante et détaillée est illustrée des plus belles photos de tournages, et reste éternellement ouverte sur l'avenir.

A mi-chemin entre l'ouvrage de référence et l'essai critique, ce livre analytique, qui reste éternellement ouvert aux actualisations futures, illustre la présence du cinéma italien à Hollywood et retrace l'histoire des nominations et des victoires italiennes aux Academy Awards depuis 1947, lorsque l'Academy of Motion Picture Arts & Sciences décida de décerner un prix spécial au film Sciuscià de Vittorio De Sica. En 1956, la catégorie du meilleur film étranger fut créée, et Federico Fellini, autre Italien illustre, remporta une première statuette pour son film La Strada. Depuis cette lointaine année 1947, l'Italie a été constamment présente aux Academy Awards, avec des nominations et des Oscars dans toutes les catégories, à tel point qu'aujourd'hui, avec vingt-neuf nominations et treize Oscars du meilleur film étranger, elle se situe en deuxième position derrière la France, rien que pour le nombre de films nominés.

Cet ouvrage propose au lecteur une vision panoramique des films (avec leurs distributions et des notes sur leurs réalisations) et des fiches individuelles succinctes qui permettent de suivre la carrière des réalisateurs, acteurs, producteurs, scénaristes, ainsi que celle de dizaines de grands artistes (costumiers, directeurs de la photographie, compositeurs, monteurs, décorateurs) qui, par leur travail et leur génie, ont joué un rôle déterminant dans le succès international du cinéma italien. Précédé d'une préface de Bernardo Bertolucci et d'une solide introduction de l'auteur, ce texte est donc une invitation à parcourir l'histoire du cinéma italien à Hollywood, à travers les témoignages de ses "acteurs principaux" et de ceux de "connaisseurs" américains tels que Martin Scorsese et George Lucas, particulièrement attentifs à l'épanouissement des talents que génère la péninsule. Ce volume contient non seulement les index et chronologies qui s'imposent, mais s'appuie aussi sur une abondante illustration photographique, composée de portraits des artistes, de scènes de films et d'instantanés pris sur les tournages. Ces feux croisés de mots et d'images visent à recréer - et à rendre fidèlement au lecteur - l'atmosphère unique de ces soixante premières et brillantes années du cinéma italien aux Academy Awards.

Considéré comme un des derniers vrais poètes de ce siècle, Federico Fellini, auteur de génie et réalisateur de chef-d'oeuvre comme "La dolce vita", "Huit et demi" et "Amarcord", est le créateur, extraordinaire des atmosphères d'une Italie et d'une Rome à Io fois bourgeoises, fascistes, populaires, nobles, baroques, cinématographiques et contemporaines. Un monde entier qui se reflète sur les visages et dans les yeux qui hantent une galerie infinie de genres et de personnages vivants, tellement naturels et authentiques qu'ils font aujourd'hui partie du patrimoine humaniste international.

Depuis les visages de Gelsomina aux clowns grotesques du cirque et de la réalité, depuis Marcello Mastroianni, son alter ego, au tourbillon des figurants princiers ou misérables, depuis le (post) néo-réalisme à la réinvention psychanalytique du langage cinématographique des années soixante et soixante-dix jusqu'aux années quatre-vingts plus mélancoliques et prophétiques, personne n'a atteint les sommets de son imagination artistique. Fellini a réussi à représenter d'une façon magique les contradictions de l'individu comme celles d'une humanité aimable, épouvantable ou tout à fait normale âmes et corps analysés jusqu'au tréfonds de l'imprévisible, en hommage à une curiosité habile ou innée, "politique" ou intellectuelle.

Roi des clowns, Fellini a transporté plusieurs générations de spectateurs et les a accompagnés dans un voyage sentimental et ironique entre les formes de la mémoire fantastique, les magnifiques falsifications ou les réalités oniriques. Il a donné naissance par la même occasion à un système d'images évocatrices que seul un illusionniste comme lui pouvait raconter, avec la caméra, tel un libre vagabond de l'invention, et un courageux rêveur de la vie. Et il l'a fait avec cette force désarmante qu'est le cinéma grâce auquel il continue de briller dans ses oeuvres inoubliables.

" Chacun pense à lui avec tendresse parce qu'il incarne une époque apparemment plus heureuse... On ne lui demandait pas de profondeur ; on lui demandait seulement d'être beau et doux et de nous faire rire ". Pauline Kael, 1975. " Je vieillis mon cher. Le seul qui ne vieillisse pas est Cary Grant ". Grace Kelly, 1978 " Le meilleur ". Marlène Dietrich. " J'ai appris beaucoup de choses en travaillant avec Cary Grant. Il sait comment se concentrer, comment vous fixer, mais tout cela avec une extrême spontanéité ". Sophia Loren. " Pour les femmes, il est le seul exemple du gentleman sexy d'Hollywood. Et pour les hommes et les femmes, il est le seul exemple d'un genre hollywoodien dont l'Amérique, comme l'Occident, a besoin depuis toujours : un héros bourgeois. " Tom Wolfe. " Cary est merveilleux, vous savez. On ne dirige pas Cary Grant, on le place simplement devant une caméra. Et alors le public s'identifie avec le personnage principal. Je veux dire par là que Cary Grant représente un personnage que nous connaissons. Ce n'est pas un étranger. " Alfred Hitchcock.

Un panorama éblouissant des plus grandes, des plus charismatiques et des plus sensuelles actrices du cinéma italien, de 1930 à aujourd'hui. Leur découverte, leur carrière, le pouvoir de leur image sur la société sont proposés dans un magnifique ouvrage riche en photographies de tournage qui promettent de nous en dire long...

"Il existe des femmes de toutes les espèces, mais Katie est encore différente. Il existe aussi des actrices de toutes les espèces, mais Hepburn est un cas à part".
Frank Capra

"Elle a un visage qui appartient à la mer et au vent, avec de grandes narines de cheval à bascule et des dents qui mordent sans aucun doute au moins une pomme chaque jour".
Cecil Beaton

"Je l'adore, je la vénère cette satanée femme ! Jamais dans toute ma carrière je n'ai mieux travaillé qu'avec elle, pas même avec Burton. Il n'y a jamais eu le moindre problème".
Peter O'Toole

"Katharine a une manière fantastique de défendre la féminité, le fait d'être femme. Elle est belle. Elle aime les hommes. Mais elle sait aussi se battre pour ses propres droits".
Anna Jackson

"C'est une femme formidable, extrêmement habile dans son métier et si "électrique" sur le plateau que si l'on n'y prend pas garde, on risque de finir par faire partie du décor".
Bob Hope

"Katharine Hepburn est la personne la plus extraordinaire que j'aie jamais rencontrée. Et je suis persuadé que si elle devenait Présidente des Etats-Unis, nous pourrions finir nos jours tranquilles !".
Anthony Harvey

"Jouer, c'est presque mieux que de faire l'amour... Jouer est un véritable jeu ; un jeu compliqué et malicieux" se plaisait à dire Mastroianni. Cette biographie de l'acteur italien le plus connu au monde raconte 44 passionnantes années de cinéma jalonnées de ses 132 films et livre également une analyse approfondie d'un pays et l'histoire d'une époque.

La vie, les films et les écrits d'un grand maître de la "comédie à l'italienne", admiré par des millions de spectateurs, imité par les innovateurs de Hollywood, objet de culte au sein du cercle raffiné des cinéphiles français.

Plus de cinquante films, six feuilletons télévisés, presque un demi-siècle de cinéma, évoqué à travers les années du Fanfaron, des Monstres et de Parfum de femme, qui devient la carte d'identité d'un pays, le contrepoint ironique et cinglant de ses grandeurs, de ses misères et de ses illusions.

Ce livre présente, sur fond d'histoire du cinéma, le metteur en scène le plus provocateur et le plus prolifique de la comédie italienne. Dino Risi, milanais, fils de médecin et médecin lui-même (sans exercice), devient grâce à son talent d'observation un incomparable metteur en scène de la réalité : son génie du raccourci nourri d'une curiosité sans bornes lui fait dépeindre l'Italie comme aucun reportage journalistique, aucune enquête sociologique, aucune émission télévisée ne sont encore parvenus à le faire.

De ses années d'apprentissage - où il séduit les spectateurs avec sa série des Pauvres, mais beaux - à l'explosion des années 60, où il signe ses chefs d'oeuvre Le Fanfaron, Une vie difficile et Les Monstres, puis au fil des années 70, sans relâche, il traque et révèle au grand jour les déchirures de la société et le malaise des consciences.

Valerio Caprara a su tirer parti de l'énorme quantité d'informations qu'il a recueillie ; la mise en perspective qu'il nous offre est soutenue par un commentaire qui passe du ton de l'enquête à la révision critique pour nous faire partager, avec la complicité du metteur en scène, avec dotes de tournages et souvenirs de famille.

C'est la première fois qu'il nous est donné de découvrir les multiples facettes d'un talent dont on ne soupçonnait pas la personnalité complexe, au travers d'aphorismes irrévérencieux, d'articles qui ont valeur d'essais, mais aussi de remarques et de notes de travail, des idées de scénario oubliées dans des tiroirs.

Ces pages débordent de visages et de personnages indissolublement liés à l'imaginaire collectif: Sophia Loren poissonnière à Sorrente, Marisa Allasio en bikini à couper le souffle, Alberto Sordi héros d'une Italie en haillons, Gassman qui roule dans sa Lancia Aurelia surcom pressés vers l'abîme du Fanfaron, Tognazzi en tailleur sourd-muet, Manfredi amoureux d'une poule, Mastroianni en soutane...

Ce livre nous fait revivre un monde d'étés et de danses, mais aussi de moments graves qui jamais ne sont sérieux ou pesants, le monde de Dino Risi, qui a fixé sur l'écran les plus belles années de notre vie.

La brève vie de James Dean, sa mort tragique, sa carrière fugace - seulement trois films - ont produit un impact émotionnel d'une grande intensité sur les moeurs et la société de la seconde moitié du vingtième siècle. Dans cette rétrospective singulière et sensible de la carrière de James Dean, Barney Hoskyns a réussi la difficile entreprise d'expliquer comment un jeune acteur de cinéma a pu devenir une véritable idole de notre temps et ce qui fait que l'image de James Dean touche profondément un si grand nombre d'entre nous. Barney Hopkyns fait revivre James Dean comme aucun autre écrivain ne l'a fait jusque-là, exaltant le portrait qu'en avaient fait les médias le présentant comme un personnage de papier mâché, superficiel, et rompant ainsi avec le cliché d'un Dean ayant seulement un beau look et un grand charme. Une sélection minutieuse des photographies, extraites de la collection de David Loehr et parmi lesquelles certaines ne furent jamais publiées auparavant, contribue tout au long de cet ouvrage à étayer les arguments de l'auteur, nous révélant un James Dean irrésistible, fantaisiste, fragile, égocentrique, inimitable et surtout humain.

Aucun photographe dans ma mémoire ne s'est approché de l'univers féminin avec l'amour débordant, le génie de la compréhension, l'exaltation des sens et de l'esprit qui caractérisent les portraits féminins d'Angelo Frontoni. Cet Olympe de femmes-déesses qu'il tient sous son empire, nous laisse dans l'âme et dans le coeur le souvenir d'émotions profondes comme celles que l'on éprouve lors d'un voyage extraordinaire. Parce que ce livre est vraiment un voyage extraordinaire et chaque page une découverte et une révélation. Rarement m'a été faite la proposition gratifiante et ambitieuse qui m'est offerte aujourd'hui d'écrire quelques lignes de présentation pour le livre d'Angelo Frontoni qui recueille ses plus belles photographies. Ce n'est pas seulement de la gratitude pour la vieille amitié qui nous lie, pour les infinis souvenirs d'expériences et de joies rencontrées ensemble dans le travail, mais également pour ce que l'art inégalable de cet homme extraordinaire a suggéré, a inspiré à tous ceux qui ont eu la chance de le rencontrer. Il suffit de parcourir la galerie de portraits que la Gremese International a consenti à publier, pour comprendre que l'oeuvre de Frontoni ne s'est jamais limitée à fournir de simples témoignages, documents ou images, mais a su interpréter le temps et l'âme de ces témoignages. Au point de nous faire redécouvrir des personnages que nous croyions bien connaître, en nous les offrant d'une manière inédite et inattendue. Je dois également ajouter, avec tout le respect et l'estime que méritent souvent nombre de ses collègues, qu'aucun photographe dans ma mémoire ne s'est approché de l'univers féminin avec l'amour débordant, le génie de la compréhension, l'exaltation des sens et de l'esprit qui caractérisent les portraits féminins d'Angelo Frontoni. Cet Olympe de femmes-déesses qu'il tient sous son empire, nous laisse dans l'âme et dans le coeur le souvenir d'émotions profondes comme celles que l'on éprouve lors d'un voyage extraordinaire. Parce que ce livre est vraiment un voyage extraordinaire et chaque page une découverte et une révélation. Mais l'art d'Angelo Frontoni va beaucoup plus loin en tant que nouveau "découvreur" d'images pour la beauté de la femme. J'ai vécu un jour vraiment stupéfiant avec lui à Florence, où j'eus l'occasion de photographier pour "Vogue" les trésors, les chefs-d'oeuvre suprêmes de l'art florentin. Angelo nous prit tous en photo, moi, le David de Michel-Ange, Botticelli, Fra' Angelico... comme des Dieux d'un Olympe de beauté. Un cadeau presque trop généreux pour moi, mais certainement une révélation inquiétante pour les jeunes sibyllines du Printemps ou pour les épouvantables géants des chapelles Médicéennes. Ils devinrent tous divins, caressés par l'oeil charmeur de notre ami. J'espère qu'un jour il sera confié à Angelo Frontoni la responsabilité de nous réexpliquer à nouveau pourquoi Monna Lisa est la beauté légendaire que nous connaissons tous. Nous la redécouvrirons avec lui et, j'en suis certain, ce sera une heureuse surprise. Et peut-être devrons-nous admettre que nous croyions bien la connaître, alors que nous ne la connaissions pas du tout avant qu'Angelo Frontoni ne nous la présente.

Avec deux oscars à son actif (l'un en 1961 pour La ciociara et l'autre en 1980 attribué à l'ensemble de sa carrière), un nombre infini d'autres prix et de marques d'estime professionnelle, ces milliers de couvertures des revues les plus prestigieuses du monde entier, Sophia Loren est l'objet de la dévotion inconditionnelle d'au moins trois générations de spectateurs, qui l'ont aimée dans les rôles de sa jeunesse, puis découverte et redécouverte au cours de sa carrière et dans les épreuves de sa maturité.

Mais l'histoire de Sophia est aussi le récit de conquêtes opiniâtres et de rudes combats disputés jour après jour au destin qui s'est plu à dresser de nombreuses difficultés tout au long de son parcours. Figure emblématique d'une société imperméable à toutes les révolutions, Sophia a incarné et incarne toujours, avec splendeur et majesté, le rôle de la "star" par excellence, rôle dans lequel elle a su conjuguer glamour hollywoodien et simplicité méditerranéenne, passant de l'un à l'autre avec un naturel apparent qui ne laisse pas de surprendre.

C'est à cette dernière grande reine du star-system international, qu'est consacré ce livre récemment mis à jour, qui propose aux lecteurs une reconstitution détaillée de sa vie et de sa carrière artistique, avec des anecdotes inconnues du public, des articles extraits de la presse internationale, et le point sur ses derniers projets en date. Le texte est illustré de nombreuses photographies parmi lesquelles figurent ce célèbres "clichés d'auteur", signés Angelo Frontoni, photographe de renommée internationale.

"Je ne sais pas pourquoi, mais je n'étais jamais venu ici." La longue promenade en vespa du réalisateur Nanni Moretti dans son film Journal intime, se termine près de l'hydrobase d'Ostie, entre les plages grouillantes de baigneurs, les dunes de sable, et les petites fontaines où les gens viennent boire en file. Au loin, on aperçoit l'endroit où Pasolini fut assassiné, derrière la clôture de fil de fer barbelé séparant l'ancien terrain de football du chemin de terre qui longe la mer.

Cet hommage est sans doute le plus juste que le cinéma italien ait jamais rendu au discours interrompu de Pier Paolo Pasolini, intellectuel rare, écrivain et cinéaste, qui consuma sa vie en témoignant personnellement des événements, sans se contenter de les raconter. Il demeure l'esthète provocateur de l'opposition et de l'inconvenance, et ses films, à l'image des lieux de l'enfance et de la mémoire acquièrent une densité particulière grâce à leur intemporalité et à la pérennité des thèmes abordés, tels que le destin de l'Homme et le sens sacré de la vie et de la mort.

Ce volume propose une analyse critique de ses films, et invite le lecteur à découvrir ce qu'ils ont à révéler aujourd'hui encore, qui puisse ajouter à l'inoubliable impact qu'ils exercèrent sur le public, à l'époque de leur sortie.

Plus de soixante films en presque cinquante ans de carrière, un charisme et une vitalité qui se rient des "assauts" impétueux de stars plus jeunes... Sean Connery représente décidément un cas à part dans le panorama du 7e art, et son talent ironique et sensible n'a jamais cessé de faire école. L'itinéraire artistique de cet Ecossais opiniâtre nous est narré dans cet ouvrage, à travers ses expériences théâtrales, télévisuelles et cinématographiques, depuis ses débuts, jusqu'à ses films les plus récents comme The Rock, Entrapment (produit par la société Fountainbridge Films, qu'il a fondée en 1992), et le dernier en date, Finding Forrester.

L'auteur analyse avec compétence toutes les étapes professionnelles de la star, dont la carrière démarra véritablement, grâce au succès sans précédent des James Bond, et s'épanouit sous la houlette de grands réalisateurs, tels Alfred Hitchcock, Sidney Lumet et Brian de Palma, dont le film Les Incorruptibles, valut un Oscar et le Golden Globe à Connery-Malone. Les rôles préférés de l'acteur - qui sont parfois des "participations exceptionnelles", marquées par d'extraordinaires interprétations comme celle de Richard Coeur de Lion dans le Robin des Bois de Kevin Costner -, attestent les idées et les valeurs dont il s'est fait le champion et le paladin. En parlant de lui, un de ses grands amis, le cinéaste Terence Young, réalisateur des premiers 007, déclara un jour : "Presque tous les acteurs sont à la fois simples et compliqués ; Sean Connery n'est pas compliqué, mais il n'est pas simple non plus".